爆裂无声结局,电影文学平面设计类文章

最后揭秘是在小孩子墙上画的那幅

屠夫的儿子目睹了整个过程。所以把它，画下来。小孩子的画当中可以仔细看到。昌万年是举着箭对着律师，注意，律师是戴眼镜的。所以整个过程应该是昌万年，先是误伤了张磊。

电影既将矛头大胆的直指于了阴暗的社会现实，也用超现实的手法映射人性，无声的失语成为了电影最为震撼的呐喊。

扩展资料：

《暴裂无声》是由并驰（上海）影业有限公司、和和（上海）影业有限公司等联合出品的犯罪悬疑片，由忻钰坤编剧兼执导，宋洋、姜武、袁文康、谭卓等主演。

剧情简介

在2004年的凛冬里，一个北方矿业小镇上，牧羊少年带着自家的羊群在山里行走，路过浅浅的河沟驻足远望。两天后，矿工张保民得知儿子失踪的消息急切赶回家中，三天后，律师徐文杰的女儿也跟着失踪。

他拿起电话打给他能想到的唯一嫌疑人，黑白两道通吃的煤老板昌万年。于是，两起本来毫不相干的失踪案意外地关联到了一起，所有人都脱不了关系。

参考资料来源：百度百科-/暴裂无声

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下面是更多关于爆裂无声结局的问答

比暴更可怕的无声

文/诗书

《无声》中忻钰坤展现了他成熟的电影风格，透过贫富差距悬殊的三人所串联起来的两起案件，对逻辑叙事出色的驾驭下，电影既将矛头大胆的直指于了阴暗的社会现实，也用超现实的手法映射人性，无声的失语成为了电影最为震撼的呐喊。

继《心迷宫》后，忻钰坤的新作《暴裂无声》无疑是一次视听语言的全面升级，其没有了前作中那因为资金匮乏导致的种种瑕疵，同样电影也保持了前作的高水准，没有一个多余的镜头，令人更为清晰的看到了这位导演在构思和表达上的造诣，同前者故事一样，这一次的忻钰坤仍旧将镜头聚焦于了偏远之地的社会现实，但这次的他没有再用多线叙事的手法制造悬疑，转而在在人物上深下了更多的功夫。

《暴裂无声》剧情上有以一主一辅两条线索，主线是哑巴矿工寻子，辅线则是涉黑矿老板为霸一方，律师为钱帮其解决法律问题，本无太多关联的三者，因为找孩子，在电影巧妙的因果设定间被紧密的衔接为了一体，电影也借此用三个角色巧构建了一个社会阶级群像，处于社会低层矿工的无力失语，社会中产阶级律师的自私自利，和社会上层矿场老板的狠辣虚伪，不同阶级的人物特性由此呼之欲出。

在塑造以鲜明人物的同时，电影也夹杂了大量精妙的隐喻，从矿场老板昌万年桌上的金字塔到一片狼藉的羊肉之宴，几个镜头间一个对权力迷恋和贪婪的形象已是昭然若揭，片尾的山崩更是颇具意蕴的一笔，它既代表有着光明的缺失，也象征着人性的泯灭，而在一些细节上例如本代表正义的奥特曼在电影中成为了黑色幽默，矿工孩子失踪那天暗示村子已经被污染的死鸟，多处出现的羊所一再暗表的弱肉强食，这些隐喻在不经意间已然为电影构建起了充沛的内在纵深。

无论是从人物还是剧情来看，《暴裂无声》的复杂都突显着其极大的野心，而在如此复杂的结构中如何能做到二者的平衡统一自然就是其最大的难点，这也是忻钰坤的这部电影中最为明显的缺陷，不管作为主人公哑巴矿工的暴力，还是矿主老板的罪恶，以及律师的沉默，他们自身的角色都只是成为了一个阶级的代表象征，电影没有足够的精力去细腻的刻画每个人物，其重心仍旧还是透过以暴制暴的暴裂，突显以“无声”的内核。

令人倍感压抑的黑色寓言下，《暴裂无声》不仅令人看到了底层话语权的沦丧，更看到了人性在利益面前的失语，这种无声的可怕远比其一展的暴更为令人心惊胆寒。 本回答被网友采纳 电影应该属于艺术，电影剧本才是文学，电影文学主要分两类：纯文学类和三伪文学类。

电文学是没有关系的。

中国著名电论家，北京电影学院教授基周传基老师在《电头的暧昧性》一课中举到这样的例子：

一次周教授在中央新闻纪录片电影制片厂和水华导演的一位摄影师聊天，聊到关于“文学剧本”的话题。

说到当时水华导演正准备拍摄一部电影，可剧本一打开，第一句话就是：“他是一个不寻常的人，他有着一段不寻常的经历。”

水华导演看完这段话后就合上了剧本，并在剧本上附上了一张纸条：“另请高明”。说这个剧本不能拍电影。

最后周教授解释到：就好比电影中，一个人物穿着一件黑衣服，我们不用再解释他穿着一件黑衣服；有的人说某某人长得帅，但有的人不这么认为。

因为这是每个人的看法不同。

只有在观众看完电影后才能感受“他是一个不寻常的人，他有着一段不寻常的经历。”

所以电影是直观的，它没有形容词，也不需要任何修饰。

归根到底，是因为电影与文学的传播方式恰好相反。

周教授又补充到：文学是先给你一个概念，就像你读完《红楼梦》之后，才知道林黛玉长什么样。但是每个人心中的林黛玉的模样又是不一样的，这是抽象转化成具象的过程。

而电影正好相反，它是由具象变成抽象的过程，所以只有在你看完整个过程之后，才知道他是一个不寻常的人，有着一段不寻常的经历。

所以说电影和文学是没有关系的。

这个选择题正确答案是：媒介不同 我觉 文字最大的优势在于是直现出来的 而是文字这介来传达 可以给人留下无限的空间去构想 你可以凭借文字的描述自行勾勒场景 事物 人物的轮廓 想象力是无穷的 所以说一千个读者就有一千个哈姆雷特

而电影在这一环上完全被抠掉了 他什么都为你编排好了 人物是这样 情节是这样 他剥夺了你的想象力 甚至可以说 一部好的电影看得是导演 是演员 那已经跟你无关了 这样 同样作为传播媒介 你还能说他能跟文字相比吗

个人见解 绝对没有抄袭

文学作品与电影作品有本质的区别，你这个问题提的好。当意识到电影与文学有区别时，便打破所谓的“文学价值何在”的伪命题了。这是我比较文学的一道题，答案会涉及到你问的问题，希望对你有帮助。

1911年卡努杜发表了“第七艺术宣言”，将电影作为独立于建筑，音乐，绘画，雕塑，诗和舞蹈之外的新的艺术形式。但电影与文学的关系在漫长的发展中像是一对恋人，分分合合，到如今已经密不可分。美国著名作家亨利米勒曾言：“电影是一切手段中最自由的，你能用它创造奇迹，确实有朝一日电影取代了文学，不再需要阅读，我会举手欢迎。”。但很明显，文学还未被取代，爱森斯坦曾提出理性蒙太奇认为可以把《资本论》搬上银幕，但他在《蒙太奇1938》中否认了这一点，文学有其自身的存在价值，不可替代。

 

影视兴旺的时代，文学的价值何在？我认为这其实是一个伪命题。仿佛电影的到来导致文学开始迷惑，没有明确的自我认知了，简直是杞人忧天。文学跟电影终究是不一样的，文学以语言为载体，展现文字世界里独特的想象空间，虽然无法给予读者身临其境的观影感受，但文学中意向的多义性，语言的感染力，丰富的想象空间承载着其独特的美感。

 

即使是文学的电影改编，两者也是两种不同的艺术文本，文学有电影不能改编之处，所以不论是改编成功还是失败，文学作品都有其独特的艺术价值。更何况有些文学作品很难进行影视改编，比如马尔克斯的《百年孤独》中的“魔幻现实主义”，中国的唐诗宋词，阿城《棋王》中道家的文化思想，在电影中便无法感知。

 

相反的是，电影一直处于身份认同的危机，尤其是近几年，大量的IP电影，文学性超过了电影性。电影的本质应该是电影化的，是影像的叙事，所以影评人波米说《从你的全世界》不配称之为电影，它只是将小说机械复制。《长江图》的导演杨超在访谈中极力否认自己的电影是诗电影，《路边野餐》也是这般，两部电影是典型的电影化的作品，是靠音画来叙事的。

所以从电影的角度来看，我很奇怪文学竟然会有危机感，该担心的不该是电影吗？大量文学改编电影的出现诸如《一句顶一万句》《三少爷的剑》《我不是潘金莲》反映的其实是电影创作的倒退，电影缺乏创造力，这是很多诸如杨超这样的导演担心的事情。电影对文学作品的过度依赖，反而导致电影性的缺失，电影应该问一下自己，自身的价值在哪里？

 

至于人们目前对优秀文学的排斥，这真的是由影视导致的吗？人们对优秀艺术作品的隔绝，其实是商业化下我们这个时代的通病，人们对艺术电影的隔绝与对优秀文学的隔绝并无二异。相反，电影在不自觉间以牺牲电影性的方式推得动了文学的发展。

作为影片基础的电影，必须具备文值。电影剧本的文学价主要指作品的思容、人物形像和艺术形式上所具有的审美价值。电影文学的中心任务是塑造人物形像。电影剧本的思想内容主要是通过人物形像来体现的，一切艺术手段都是为塑造人物形像，决定电影剧本文学价值高低的主要依据，是剧中人物形像的真实性、生动性、独特性和典型性，是形像与思想的统一，即鲜明的艺术形像与深刻的思想内容的和谐统一。

影片的文学价值由电影剧本所提供。电影导演在拍摄影片时，充分发挥电影艺术的各种表现手段来体现、丰富和提高电影剧本所提供的这种文学价值。一部影片总的艺术价值，除了它的文学价值外，还有它在电影导演艺术、表演艺术、造型艺术及音乐艺术等方面的审美价值。

电影剧本和电影导演之间存在着彼此相互依赖的关系。电影剧本如果得不到优秀的导演处理，它的文学价值就不能在影片中充分显现出来。电影导演如果没有优秀的电影剧本作为自己再创作的基础，也难以用电影艺术的手段拍摄出一部具有高度艺术价值的影片。就剧本和影片的关系而言，至少有两种可能：通常的情况是，剧本的文学价值在影片中得到了充分的显现，或者说影片较原剧本有所提高；也有另一种情况，影片不如原剧本，剧本的文学价值遭到削弱。

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