黄大痴有云，作画最忌甜，邪，俗，赖，这几乎是所有画家都犯过的通病，尤其是当代的绘画，历代的经典作品为什么没有这种毛病？国画的主流其实是文人画，说白了，画家首先要是文人，起码，也要有一定的文化修养，从苏东坡算起，倪瓒，青藤，石涛，八大，没有一个是缺乏这种修养的，有文化的人干什么都不俗的，比如紫砂壶这个东西，古代随便一把都不俗，现在呢，即便再巧夺天工也难逃俗不可耐的毛病，那些个大师们只要先拜个大师再评个职称就称为大师了，实际上大多也只有中学文化而已，做出来的东西不俗才怪...

从当代的美术教育来讲，首先就是素描，然后透视，色彩，始终是技术层面的东西，就论技术而言，肯定无可厚非，但谈到艺术，就必须要有文化，你才会懂什么叫表达，什么叫情性，什么叫格调，才会不俗。古人学画，首先写字，其次读诗，不是不讲究技术层面的东西，而是这种技术的东西最早在唐代就已经玩到极致了，后来的文人画家们早已不屑一顾，苏东坡有云:画图以形似，见与儿童邻。我们现在的美术教育又把这种标准降到最低，标准都低了，作品不俗才怪！

想不俗气不匠气，

就不能一直局限在画花鸟山水里呀！

得变化！

大家现在总说中国画不受欢迎了，

但是更多的人又不愿意接受中国画内容上的变化，

认为如果不画山水花鸟就没有中国画的味道了，

其实正是这样的思想在阻碍我们国画的发展。

中国画为什么不能表现当代的内容和当代气象呢？

孙佳，顾影自怜2

孙佳，私密空间

比如当代中国青年国画家孙佳，

她的工笔画就突破了传统的内容而来表现当代中国女孩的生活状态，

甚至还有很私密的生活细节；

王大根，《绅士》系列，国画

红国画，纸本设色，

再比如小玉很欣赏的王大根，

他的画中女人也格外简洁却具有暗示性，

可能你无法想到素来淡雅的中国画可以表现得这么撩人；

代英伦，人群，一心

代英伦，人群，观姿

再比如小玉最近非常喜欢的代英伦，

你可以一眼看出他画的是中国画但是又很新颖，

作品是带有荒诞气质的，

结合禅宗的理论和我本人的实践，

每一个存在于社会中的个体是天然带有社会属性、时代属性和地域属性的，

这些属性无需个人对其环境的解读就可在日常的潜移默化中获得。

所以，

这些都是不匠气也不俗气的当代中国画，

你喜欢吗？

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放开思想，大胆描绘神态表情！

世上百病，唯俗难治。俗气是最难治的病，没有一味药能治得好俗，如果有，那就是“书”，至于其中能领悟多少，就全在个人了。

所谓俗气和匠气，不过是只作品给传达给人的感受罢了。水平低，自然就俗。所画内容无细节，无意象，黄口戏笔皆可为之，自然就是俗气的。学画还是要从古学，摹到深处，自得神采，然后再随手而为，便不落俗套了。

至于匠气，这个词儿在古代并不是个好词儿，跟作坊类作画一样，讲求速度，不讲质量。这是无法避免的，是技术瓶颈，也是心态瓶颈，作艺要有作艺的心，不能为外物所干扰，如追求名气和利益，那对自身思想境界的提高是没有好处的。

而在当下，匠气是一种追求，是匠人精神，工匠精神，恰好说的就是坚持传统，这好像是对当下风气莫大的讽刺。

国画审美在意境，而非外形，徒重其形，则必生俗。中国传统文化的意境都是相通的，如果作画俗气，说明自身的文化修养不够。应该重视文化修养，起码要读诗写作，看一看《二十四诗品》，从意境层面去了解画作，而非停留在表面。

久而久之，自然有所突破。

脱俗只是个人眼光问题，只是个话题。喜欢就没有任何问题。

书法丶绘画，在中国的传统观念上，都属\"雅道″，而力避\"俗气″丶\"匠气\"。俗者，气格低。匠者，技能\"俗″。均为流风浅薄之气，使人观而厌之，绝无品藻回味之余韵。

书丶画同源而分流，虽然各有侧重，但万变不离其宗。何为\"宗″？文脉主流也。艺术创作及欣赏，是形而上的精神丶思想，气质丶修养，言有尽而意无穷，余意尽在不言中的\"妙谛″。

国画，技丶道双翼。一个翅膀，飞不起来，起码飞不高飞不远。道为主导，也即上述之\"宗″者。一个画家的修养，真正的重头戏，还是内质品位的提高，\"文质彬彬，然后君子″，\"腹有诗书气自华″。齐白石，能脱离木匠出身，如没有诗丶书丶画丶印等方面的综合修养，想成为大画家，当然是不可想象的。其绘画题材虽\"俗\"，但能入高人的法眼，那就是艺术品味已然脱俗了。所以，绘画创作之雅俗之别，不在作者的社会地位，也不在作品的取材内容。完全在创意丶在心胸丶在眼界丶在趣味追求。

技有尽，道无穷。法无定法，全在运用。所谓\"明师(非名师)出高徒″，是师徒之间气质的相投与默契使然。古来有一句俗语，\"教的曲子唱不得″，主要是讲，不得其人，难传其法。一样的曲子，难免跑调。

是不是俗病就没法医了呢？也绝不是。近代书法名家沈尹默，早期书法被陈独秀评为\"其俗在骨″，那就是无可救药的意思。但由此后，沈先生沉潜修养，力避庸俗，终成大家。

医俗丶避俗之法，仍在气质修养，眼界提升，良师益友的熏染。国画，神韵在笔墨。运笔虽在手，实为心驱遣。格调之雅，心灵的体现。追求雅正，主要是人品之训练。中华民族几千年的文化艺术的传承，其渊源流长，可资学习借鉴者实在丰富，成就个人的条件多多，根不可丢，根深叶茂。轻言创新，当属浅见，难避俗恶匠作。

国画，本是书法的派生。没有书法，就没有国画。这个道理，知道并不难，难的是怎样以书法之笔去画画。为什么要讲“国画\"？国画的\"国”，从表面看是指\"中国\"，其实不然。国画的\"国\"，应指的是\"具有书法内涵\"的意思。因为只有这样一种内涵，才具有最\"中国化\"\"国\"的内涵。所以”国画\"，是建基于书法的画。没有了书法就没有了国画。这一基本价值认识，恐怕很多画\"国画\"的人，巳经完全忘记了。
再讲国画的'俗'，国画之所以会\"俗\"，首先是缺乏书法的用笔与功力。有了书法的用笔与功力，画就不会\"俗`。要讲如何脱去画中的“俗\"气，自然首先应该从书法的用笔与功力上下功夫。然后才有其他的方面。要是这首先的先决条件不存，当然其他也就免谈。(图为作品局部，自写)。

要想国画作品去俗气匠气，我个人认为应三个方面去下功夫：

一是格调要高雅

中国画是讲究格调的，没有格调，自然会落入俗套。什么是中国画的格调呢？不同的画家和欣赏者会有不同的答案。我个人理解，中国画的格调应是作品表现的风格或品格，它是中国文人精神的一种展现和延伸，强调的是文人的诗意情怀，重意趣、清幽、自然，表达了人与自然的和谐共处和天人合人的愿望。格调高雅的作品，为让人为之愉悦、为之动情、为之倾倒，传递出正直的、向上的、积极的、昂扬的大美境界。

二是气韵要生动

荆浩《画山水录》：“气者，心随笔运，取象不惑;韵者，隐迹立形，备仪不俗。”以中国山水画为例来讲，要求“气、韵”并举，当笔、墨成为山水画构成的两种根本的媒介语言之后，“气”与“韵”就分别对应于“笔”“墨”，由此，使山水画的表现技法便更加具体、细致化。古人认为“气韵”难求，有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。说的直白一点，发于墨，提的是在轮廓中点染渲晕；发于笔，干笔皴擦，力透而光自浮；发于意，我欲如是而如是，疏密多寡，浓淡干润，各得其当；发于无意，凝神注想，流盼运腕，不意为是，而忽然如是。如果在画面上，能够处理好这些关系，自然就有了气韵生动之感，也就少了俗气、去了匠气。

三是用色要淡雅

总体上来讲，中国画的用色上忌大红大绿，以淡雅为宜。中国传统画在我们古人称呼为丹青，丹是指朱砂，青是指蓝靛。中国画的用色特点是：表现物体固有色的明度变化，而不计较光的相互影响和变化。这一点明显区别于西方的油画。在谢赫的六论法中，强调用色要随类赋彩，意思是说依客观对象同类赋同色，也指不受客观约束，依画者的主观意识而赋色。用色中是丰富画面，如果用墨用够了，可无需用色，有着墨不够色来凑的说法。用色大体有着六个方法：调：把不同色相的颜色调和在一起。罩：以一种颜色覆盖另一种颜色。托：正面、背面都着颜色，以背面衬托正面颜色。染：先着一笔颜色，再以一枝蘸清水笔接染，使颜色渐次淡出。蘸：一支笔先调一种颜色，再在笔尖处蘸另一种颜色，一笔着纸，同时出现两种颜色。泼：可将调好的颜色，直接泼于画面，或色墨同时泼。用色总的原则是色不碍墨，意思是色只能是补充，处于次要位置，不能因为上色而破坏了墨稿中的墨韵，不然就俗了，匠了，被认为是“行画”，上不了大雅之堂。

以上三点，仅是个人在实践中的一点心得体会，仅供各位画友参考，不妥之处，请批评指正。也欢迎留言探讨交流。如果觉得有些参考价值，欢迎您转发分享。如果个人作品需要推广的话，可联系我们，共同为书画的繁荣做点具体事。

国画作品中的俗气和匠气的说法由来已久，所谓俗气就是画面构图拘谨，用色艳俗，笔墨韵味不足，线条死板，缺乏变化，整体效果缺乏美感和意境。所谓匠气，是指在国画的创作中过于紧张，用笔拘谨乃至刻板，造型缺乏变化，好似工匠做活一样，好的工匠做的活不但精致，而且美观，差的工匠做的活就不那么美观 ，总是显得死板。

在学习国画的早期，俗气和匠气是经常会出现的问题，主要原因是笔墨功力不够，书法用笔不到家，中国画最基础的线描功力不到位，最主要的还是看到画太少。要改进这些缺点，就要努力多写多画，多看国画读物，多研习国画理论，最好找几幅好的作品对临几次，不用太像，主要是取其精髓，在临摹先人作品的同时提高自己的审美能力，同时学习先人的用笔方法，用墨方法，构图方法，用色方法，把其中的精华掌握在自己手中，时间久了，再下笔就有很大的进步的，当能达到得心应手的时候，俗气和匠气就自然脱去了。因此，只要有信心，有恒心想把画画好，总会成功的。

一个真正的艺术家，是需要有深厚的艺术修养和文化底蕴的。总体来说要多看古代先贤的优秀作品，多看有高品味的现代美术展，多与有高修为的艺术家交流，多读书。慢慢的把眼界打开，使自己对艺术有一定的认知度。相信那时再下笔你的作品就会有一定的格调了。