油画经过近700年的发展，形成了三大题材，分别是人物画，也叫肖像画，人体画也包含在此列，风景画和静物画。

在这三大题材中，不论是哪一类，共同的艺术理念是追求真实和自然，真实就是油画中画出的形象，跟生活中看到的形象是一致的，从造型、比例、大小、色彩、空间关系上，都要求做到尽善尽美。

自然就是如实表现出物象在环境下的自然状态，不去改变他的本来面貌。

风景画和静物画实际上没有那么多寓意，只要符合真实自然，看起来有感觉，跟现实中看到的区别不大，并且表现出合理的光影关系，就会被认为是好画。

人物画相对来说，欣赏起来更复杂一些，除过要欣赏技巧层面的东西，比如，造型的完整度，光影的合理性，色彩的和谐性，笔触的丰富性之外，还必须了解隐藏在画面背后的寓意，它是作品艺术趣味的体现。

所有艺术是依托本民族的文化理念成长起来的，因此，面对一幅人物油画，必须了解作品的时代背景，确切地说，要了解油画作者生活在哪一个时代？那个时代人们的文化理念和价值观念是什么？油画作品的题材来源于哪里？

搞懂了这三个问题，就算真正读懂了一幅油画。

优秀的油画作品，始终是表达时代精神和人文思想的最好窗口，通过这个窗口，人们看到了一个时代的本色。

举一个例子，比如，文艺复兴时期威尼斯画派大师提香的名作《乌尔比诺的维纳斯》，这是提香创作于1538年的油画。

大多数观者看到此画，除过能看懂这是一幅人体油画之外，似乎其他的就不懂了。

实际上，这幅油画表达了相当深刻的文化理念，借助维纳斯这个形象有力地讽刺了神学思想长期以来那种高高在上的姿态。

16世纪40年代时，神学思想跟人文主义思想的较量中，逐渐落了下风，世俗化生活越来越被普通大众所接受。在神学思想里贵为奥林匹亚十二主神之一的维纳斯，在这幅画中却成了一名赤身裸体的，风情万种的女性形象，这本身就是对刻板、古怪、清高的神学思想的一种讽刺，表达了普通大众不愿再活在神学思想的约束里，勇于追求属于自己的真实生活。

一幅油画作品，如果没有一定的思想内涵，再精美的画面也会显得空洞无物。从某种程度上来说，要想读懂一幅油画的寓意，首先还是要读懂这幅油画的色彩。因为在油画作品中，色彩的运用和变化最能体现画家的情感。

在油画创作中，色彩会使人产生联想，色彩同样能传达一种特殊的情绪。在欣赏油画作品时，不同的色彩会给人不同的感受，懂得欣赏油画的人都知道，其实不同的色彩还具有各自的象征性意义。另外，因为地域文化的不同，色彩的寓意也不尽相同。

黑格尔在《美学》中曾经提到:“颜色感应该是艺术家所特有的一种品质，是他们所特有的掌握色调和就色调构成的一种能力，所以也是再现的想象力和创造力的一个基本因素。”

缺少情感的油画作品一定是空洞的，优秀的油画作品更应该体现时代精神，而且体现出富有感染力的情感。翻开美术史看看，从达芬奇的《蒙娜丽莎》到安格尔的《泉》，从毕加索的《和平鸽》到徐悲鸿的《田横五百士》……我们总是能从这些富有时代特色的经典油画作品中感受到不一样的艺术魅力。像这样的经典作品，大多都表现出一个民族及画家本身的情感，也能体现出一种时代精神。

应该说，一幅油画作品的成败，是与艺术家的创作思维有着直接关系的。而要将艺术家的创意和艺术思维表现出来，还是要通过造型、色彩、笔触等油画语言来实现。

油画的艺术魅力是通过造型和色彩来体现的。造型暂且不说，色彩是重要的绘画表现手法，是绘画艺术中不可缺少的审美元素。色彩在每个画家的描绘中都有其独特的蕴意，这种蕴意是诸如笔触、线条、内容、意境等绘画语言所无法替代的。同样也是为观赏者理解、接受并产生共鸣的重要手段。

我们看梵高的《向日葵》，很自然就能感受到一种炽热的情感在升腾，一部分源于其极富动感的笔触；更重要的就是用色彩传达出的情感共鸣。

文以载道，画见其心。画画需要技法，更需要文化底蕴，这样才能表现出应有的情感。

当然，这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与大家一起交流探讨。谢谢！

很多经典的油画是画家呕心沥血经历了艰难的创作过程才完成的鼎力之作，不仅有光鲜亮丽炫人眼目的画面，而且有着深刻而丰富的寓意。真正读懂，就不只是对油画艺术的了解了，还要了解该画的时代背景，了解该画的文化内涵等等。

就以两幅著名的人体油画为例，一幅是乔尔乔内的《入睡的维纳斯》，一幅是安格尔的《泉》。

乔尔乔内是意大利文艺复兴时期威尼斯画派三杰之一，是继拉斐尔之后古典主义唯美油画的重要代表。《入睡的维纳斯》是乔尔乔内的代表画作，也是他去世前的最后一幅画作。

画面中，古希腊神话中的爱神维纳斯静谧的躺卧在露天下的一张木床上，看上去刚刚入睡，美丽面容中露出一丝微笑，仿佛在做着一个甜蜜的梦。远方的蓝天白云树木房屋近处的绿地草坪和入睡的维纳斯构成一幅非常美妙的人景合一的绚丽图景。

可能很多人会把这幅油画看做是一幅单纯的很美的人体油画。其实不然，这幅画中蕴含着丰富的人文主义思想。在当时的时代背景下，画家借以神话女神维纳斯的名义，实则表现的是现实生活中的人。一个充满活力和梦想的青春花季的女子对幸福的欲望和遐想，让人们看后产生真切的内心共鸣，进而启蒙人们的思想解放和人性解放。

安格尔是法国十九世纪新古典主义最重要的画家，学院派首席代表。《泉》是安格尔前后用了26年时间在76岁高龄时创作完成的一幅扛鼎之作。

画面中，一位美丽少女双手擎举着一只陶瓶，以垂直造型站立于一面墨绿色的壁龛前，展示出青春女性特有的身体曲线美。少女表情单一，面向前方，明眸中透着无邪的神韵。画家用缺少光泽的天鹅绒般的笔触描绘出少女充满活力的肌肤。从陶瓶中泻出的清冽的泉水给平静的画面增添了流动的韵律，更加烘托出少女皎洁俊美的容貌和纯净如水的心灵。

在这幅画中，画家通过完美的构图和人物表情动作神态以及背景泉水的刻画描绘，使整个画面纯净优美典雅庄重纤尘不染，不仅淋漓地表现出一个青春少女外在身体的美，而且揭示出人的心灵也应该而且可以和外貌一样清澈纯净美好无瑕。这应该就是《泉》的寓意吧。

一副经典传神的绘画艺术作品，都有作者很深的功力，一般是表达对生活的理解、自然的诠释、美好的赞美及未来的憧憬。

欣赏一副作品，不只是看他的笔力功底、色彩搭配、线条流动等，更多的是通过作品，去读作者想表达的故事，也就是有什么寓意。

无论是书法家、画家、作家、戏剧家等，他们的作品，都是在其独特的时代背景熏陶下，经过作者对生活的理解，或者是对未来的憧憬，所想要讲述、表达出来的意思。

没有时代印记的作品，肯定的不存在的。即使是一个神话故事，也有当时人们对神的认知、理解，都会有时代的深深烙印在作品里面有所呈现。

如何读懂一副油画作品的寓意，需要从作品里面人物的服装、饰品、神态表情，身边的物件样式、材质、风格、摆放位置等去揣摩、分析。假如，是一副植物或者动物作品，可以通过植物或动物的动态、色彩、位置、大小、形态，及周边环境的表现等，去理解作者的背后寓意。

你好亲，很开心回答你的问题

寓意，个人拙见，是寄托，隐含，暗示的意思，表达含蓄的象征性手法

寓意，在中国含蓄的传统文化中很常见。

中国文化表达的寓意，多见于诗词，中国画中，比如文人画中的常客，梅兰竹菊，各有寓意，文人墨客，喜欢以四君子创作国画，展现文人高洁，淡泊的不卑不亢，超凡脱俗的品质

西方美术史上，许多经典的人体油画作品，但是千万不要以为，西方的文化，其人体油画，袒露无遗，一丝不挂，一览无余，所以西方文化很直白，开放，露骨，这种看法很片面

其实，在西方美术史上，在推崇传统写实油画根基的西方美术史上，也有有些油画，体现了含蓄表达寓意的风格。

油画中的寓意，个人拙见，是采用含蓄，或者间接，或者象征性的手法，表达隐含，暗示的意境

西方美术史上，个人拙见，文艺复兴时期，画家博斯创作绘画，善于用间接的方式，表达画面深沉的寓意

比如博斯的画作《圣安东尼的诱惑》，个人拙见，画面寓意深沉，各种魔鬼，幻化成离奇古怪的怪兽，恶魔，读《圣经》的老鼠，披着铠甲的鱼，人面兽身的怪物，飞翔的轮船，熊熊烈火，吞噬建筑物，浓重的黑烟，遮掩半个天空

为什么博斯的这幅《圣安东尼的诱惑》，充满了各种怪诞，离奇，混乱无序的怪兽，色调阴暗，魔幻？画家又想表达什么样的寓意？

我们以博斯的这幅画为例，说明如何读懂一幅油画的寓意？

1从博斯生活的时代背景，正值西欧封建制度危机四伏，社会矛盾尖锐

而画家，生活在黑暗的时代，由此产生悲观厌世的心理，在创作中，无时无刻都在表达癫狂，混乱，怪诞，离奇的气氛

所以，读懂一幅画的寓意，应该熟悉画家生活的时代背景的现状，一定程度上会影响画家的创作方向

2正是因为画家生活的时代背景的现状，造就了画家的画风，创作思想，表现形式

画家在《圣安东尼的诱惑》，画家创作了许多离经叛道，象征性的怪诞形象，是为了寓意教会的黑暗，宗教虚伪，混乱的社会秩序，杂乱无序，狂魔乱舞，仿佛是画家大胆揭露人性背后潜藏的黑暗，虚伪，贪婪。

所以，读懂一幅画的寓意，应该熟悉画家的创作思想，创作方向，创作风格

3画家博斯创作完这幅《圣安东尼的诱惑》，后来法国作家福楼拜创作了同名小说《圣安东尼的诱惑》

读懂一幅画的寓意，个人拙见，可以熟悉与之相关的文化底蕴

如你想读懂西方宗教神话油画中的寓意，可以先熟读西方宗教神话

如你想读懂一幅以文学作品取材的油画作品的寓意，可以熟读一下其文学作品。

回答完毕

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

作为一个绘画创作者，我以个人体会认为：要读懂一幅油画，从画的表面和创作的背景了解，才能深入明了个中寓意。

1.从油画的表面了解。一幅绘画作品，其表现形式是最能抓住观众眼球的吸铁石，表现形式多种多样，有古典的、现代的，有写实的、有抽象的，它依赖画面的表现内容，也就是题材，题材决定表现形式，什么样的题材决定油画家采用什么样的形式表现，目的就是要创作出打动人的作品。观众欣赏油画，一眼描去，感受的是画家传递出的情感，欣赏者要具备一定的专业知识，才能更好地体会油画作品的寓意。

2.从油画的创作背景了解。一幅精湛、感动人的油画，其创作的背后有许许多多的故事，油画家个人心性的故事，创作其作品时发生的故事，观众有兴趣，可以走入油画作品的背后，挖掘作品背后发生的事情。油画家创作艺术作品，带了典型的个人情感，带了其个人非典型习惯，只有深入理解油画家，才会深刻读懂油画作品的寓意。

读懂一幅油画，深刻理解一幅油画的寓意，画面表现的形式和背后发生的事情，都是我们需要仔细斟酌的地方。

20世纪诞生的各种形式的抽象画以及现在的抽象画，都亳无寓意可言，因为抽象画缺点很多，比如，没有描绘、没有深度、没有信念，所以我们没必要花费时间去议论抽象画，当然了，其他画派是值得探索研习的，那么，作为艺术爱好者，怎样才能深刻读懂一幅油画作品的寓意？

深刻读懂一幅油画作品的寓意

要读懂一幅油画作品的寓意，并非难事，真正意义上，油画就只有两种流派：抽象画派和写实画派，既然抽象画派不值一提，那么我们就谈论写实画派作品的寓意：新古典主义崇尚理性、浪漫主义追求个性解放、写实主义注重冷静务实、印象主义给人梦幻的感觉，

我们都知道，油画艺术中最多的就是“某种主义”，其实那些“某种主义”之间都是你中有我、我中有你的相交关系，也都是时代的产物；要深刻读懂一幅油画作品的寓意，就要结合作品创作时所处的时代社会背景，以及作品的画面人物场景，作品反映的无非就是当时的社会与艺术家的思想，

经过上两段的简单叙述，我们就更加容易理解如何去深刻读懂一幅油画作品的寓意了，举例说明：天才艺术家达芬奇的《蒙娜丽莎》这是世界上知名度最高的作品，而且是没有之一，这幅画创作于欧洲文艺复兴时期，文艺复兴是以“人文主义”为核心，也就是说，《蒙娜丽莎》这幅画反映的是“人文主义”思想精神，

再仔细看可以发现《蒙娜丽莎》这幅画的“兴趣中心”是画中人物蒙娜丽莎那双眼睛所流露出的神秘微笑，蒙娜丽莎充满神秘感的完美微笑，扫除了中世纪以来的忧郁神色，意味着，在长达1000余年西方封建基督教会的统治下，人们饱受精神上的束缚和奴役，人性被忽视甚至践踏，此时人们便更加渴求黄金时代的光辉以驱散教会笼罩下的阴霾，渴求得到自由和解放，而这种“渴求”得到了实现。

如何欣赏和读懂一幅油画作品？这应该一分为二的看，就是从世俗的角度还是专业的角度？一般情况下世俗的普通大众一般从好不好看来评判，再到内容涉及的主题。比如色彩是否完美？造型是否为美？内容是否健康？而专业欣赏者除了一般要求外会强调艺术语言的体现，更看重艺术形式与内容的完美结合和新型艺术语言的表达。

想要读懂一幅油画的寓意，首先，你需要了解作者，了解作者当时创作的背景以及当时处于什么样的心情，了解了之后，再去看这幅油画本身，你就会发现这幅作品所要表达的寓意。

一般的艺术作品，都是有感而发，作者会处于怎么样的心情去作出这样一幅画，有时候是因为想要表达内心的感情，有时候是想通过一幅画来表达自己的追求。

当然艺术家们的心思是我们无法揣摩的，但是我们可以通过不断地了解他，了解他的创作背景，通过作品去了解他所要表达的寓意。

通常我们都清楚，作品就是艺术家内心的写照，通过作品看内心是一件很平常的事情。

如何看懂一件艺术作品？

我之前看过一部电影叫作《窈窕绅士》，孙红雷在里面扮演一个暴发户，故事的主线是讲林熙蕾饰演的女主负责将孙红雷包装成绅士来追求一位女明星。有一段剧情很有意思，就是讲如何在参观达芬奇的画展时，假装成为懂艺术的行家。这里面有两个细节，因为达芬奇展览的作品都是小幅素描，所以林熙蕾提醒他带上放大镜，另外一个就是要求孙红雷恶补艺术史知识，逢人就背诵。这当然有夸张的成分，我是没有看到过谁带放大镜看展览的，然而能够侃侃而谈相关的艺术知识，确实会给人一种很有审美和品味的感觉。这其实就是图像学的应用，我们日常在欣赏作品的时候也在用这个理论，只是没有系统的认识到。

首先图像学有多么深奥我们不在这里阐述，只说方法论，那就是当我们看一件作品的时候有三个层次，第一个层次叫做前图像学描述，简单说就是画面上面有什么？很客观的描述；第二层面就是图像暗含的常规意义，就是画面组成的这个叙事的内容，这里听不懂没关系，我们接下来会带大家以一件实例来解释；第三层就是图像生产的文化密码。

那好，我们现在就以达芬奇《最后的晚餐》来试着去理解这三个层次。

首先我们来看画面中有什么？从构图上来看，有十二门徒分坐于耶稣两边，耶稣孤寂地坐在中间，他的脸被身后明亮的窗户映照，显得庄严肃穆。背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。耶稣旁边那些躁动的弟子们，每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。尤其是慌乱的犹大，手肘碰倒了盐瓶，身体后仰，满脸的惊恐与不安。两侧的人物分成了四组，三人一组，都是一个三角形的构图。这是我们能从画面上看到的，至于是否能够看出来是耶稣和他的十二个门徒其实都不在第一个层次的考虑范围内，我们只要能够看到画面中有13个人，中间一位，剩下的三人一组分列两边，背后有窗户，透过窗户能够看到外面的风景，这些就足以让我们完成第一个层次的欣赏了，这就是对画面本身有什么的客观描述，就像是小学时候的看图说话。

第二个层面，图像暗含的常规意义，也就是说这幅画在讲什么？大家都知道《最后的晚餐》讲述的是这样一个故事：逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起，共进最后一次晚餐，他忧郁地对12个门徒说：“我实话告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面，这就是这幅画的常规意义。

所以第二个层面其实也很好理解，文艺复兴时期的作品很多都取材于圣经故事，中国的历史人物画也是一样，比如《昭君出塞》讲述的是王昭君出塞的故事，《狼牙山五壮士》是讲最后的抗日战争时期，五位壮士面对步步逼近的敌人，他们宁死不屈，毁掉枪支，义无反顾地纵身跳下数十丈深的悬崖的故事；《开国大典》讲述的是解放战争后，1949年中华人民共和国成立，举行开国大典，毛泽东在北京天安门城楼上宣告中华人民共和国、中央人民政府成立的故事。绘画自身的叙事性就是第二层面。

第三个层面就是图像产生的文化密码，换句话说就是这幅画的来龙去脉，历史背景以及产生的影响。达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角，在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有着一种轻松自然的平衡与和谐。更为重要的是，他创造性地使圣餐题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。

由于制作过程的先天不足，整个壁画在达·芬奇还在世的时候就开始剥离，不知被后世画家重复画了多少次，哪一笔是达·芬奇的真迹恐难寻觅；此外这块圣地还经历了多次战争。除了拿破仑的大炮的轰击，二战时教堂也遭遇了轰炸。多亏意大利人把这面墙前后上下用好几层沙袋完全遮挡住，壁画才幸存了下来。现保存《最后的晚餐》的修道院大厅完全与外界隔绝，所有的门窗都用铝合金和玻璃罩住，真正做到了恒温、恒湿、全封闭。参观者要经过三道玻璃门才能来到入口处，每一道门都必须在前一道门完全关闭之后才开启。当餐厅古朴的大门向朝圣者开启后，便进入了一座空旷、昏暗、静谧的大厅，存有壁画的墙在防紫外线灯照射下显现。与之相对的另一面墙也绘有壁画，主题是耶稣被钉上十字架。这就是欣赏《最后的晚餐》的方法，掌握这个方法再加上艺术史的知识，社会的知识我们就可以从容欣赏艺术作品了。