怎样才是一幅好画呢？我以为：

第一，一幅好画，不仅要表现出外在的美，还要表现出内在的美。绘画是以图象呈现的视觉艺术，外在美，就是从画面上给人一种直观的舒适的美，比如构图、造型、笔墨、线条、光影、色彩等运用排布的精妙得当，恰到好处，优美和谐。内在美，就是画的立意深刻，主题鲜明，内涵丰富，能给人以思想上的共鸣和精神上的启迪。俗话说“好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂百里挑一”。这里的有趣灵魂指的就是画的内在美。

第二，一幅好画，不仅要表现出画家娴熟自如甚至精湛绝伦的绘画技法，还要有画家专属自己的创作风格和独特的审美视角，能让读者在众多画家众多绘画作品中能够看出这幅画的与众不同之处，能够看出这幅画是哪位画家的作品。

第三，一幅好画，不仅要表现出笔墨线条或造型色彩上的美，还要表现出气韵美，意境美，就好像一个人不仅漂亮而且有气质有风度有精气神一样。

我们看达芬奇的《蒙娜丽莎》、安格尔的《泉》、柯里尔的《马背上的葛瓦黛夫人》，还有徐悲鸿的《马》，齐白石的《虾》等等许许多多的名画好画，几乎都具备了上面所说的这些优势和特点。

不管是西方绘画还是国画，要称得上是一幅好画，最基本的审美是差不多的。比如构图安排和绘画技法等等，呈现出来的画面一定要给人以艺术的美感。

构图安排要合理

一般来说，绘画创作在构思后，拿起画笔的第一步就是构图。如果连构图安排都不合理，这幅作品基本就没有了成功的可能。

需要注意的是，构图最重要的是空间关系。可以这么说，假如没有空间，你的画就不可能画出动感。空间关系表现不好的话，画面很容易显得呆。

不懂画的人，总希望画是满满的，不知道透气。学过国画的朋友对此很好理解，就是我们常说的“留白”。一幅作品不懂得合理安排的话，就算技法再娴熟，最后的画面效果也会让人欣赏起来感觉很累。

用笔要活

说到用笔，在国画创作中的重要性毋庸置疑。所谓书画同源，要想画好国画，书法功底是必不可少的条件。从某种程度上来说，中国书画就是线条的艺术。如果用笔不活，国画作品也就失去了灵魂。

其实在水粉、油画等西画创作时，用笔也是很讲究的。学画时老师常说“远看效果，近看笔触”，这里的“笔触”说的就是用笔。表现最为明显的就是那些印象派和后印象派的经典油画作品，笔触总得颇为灵动。梵高的《向日葵》等作品，笔触像火焰般升腾，极富动感，画面很有感染力。单单就说笔触效果，都有着独特的艺术魅力。

总的来说，用笔需要有丰富变化，有轻，有重，有稀，有浓，有薄，有厚，如此才能气韵生动。

娴熟的绘画技法

虽然我们评价一幅作品不能仅仅看重其技法，但是绘画技法对于创作的重要性的确是举足轻重。

其实，构图、用笔、用色等诸多方面都可以视为绘画技法的范畴。要画好一幅画，娴熟的绘画技法无疑起到了相当关键的作用。

尽管绘画技法如此重要，唯技法论还是不可取的。著名画家赵无极说过：国画已变成技巧的堆砌，美和技巧被混为一谈。

现在看来，赵无极的观点还是颇有道理的。

如何能够称得上一幅好画？以上这几点是必备的条件，怎样都无法回避的。当然，这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与大家一起交流探讨。谢谢！

绘画是一门视觉艺术，强调直观的视觉效果和感染力，绘画种类多样、流派风格丰富，整个世界绘画艺术领域，大大小小的画家成千上万，自然而然，绘画作品也是数以万计，问题来了：你认为怎样才是一张好画？

一幅好画

喜欢欣赏或创作绘画作品的人，都会去思考这么一个问题，那就是什么样的画才是一幅好画？每一位画者都希望自己创作出来的画能够赏心悦目，赢得大家的赞赏，很大程度上，给人留下深刻印象的好的作品与平淡的作品之间的区别在于构图，所以，一幅好画，必定是构图清新明了，

这很容易理解，构图对于一幅画的重要作用，构图是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对画者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现画者的表现意图，一幅好画，画面上的所有一切细节都不会多余，也不会缺少某个细节，就好比人的肢体、五官、内脏，

我们都知道，一幅画作里有主体和背景两部分，那么，一幅好画，必定是主体突出，主题鲜明，观赏者可以瞬间就欣赏到画作的“兴趣中心”，任何一幅画，都是画家“借助视觉向人们讲述故事”，故事里有主次之分，就好比，鲜花要由绿叶陪衬，主体和背景在整幅画中各自所占的色彩面积、比例都是协调统一的关系，

总而言之，画家画出一幅好画，是轻而易举的事情，构图清新明了、主体突出、主题鲜明即可，然而，好画也有分等次，那些特别优秀的好画就可称之为名画了，甚至是世界名画；要成为名画或世界名画的条件因素就比较多了，比如，独特的风格、有深厚的文化底蕴、时代特色等等，最主要是迎合人们的审美。

谢谢邀请！钟长清先生是四川美术学院版画系教授，硕士生导师。中国美术家协会会员。中国版画家协会会员。其作品被英国大英博物馆，中国美术馆等收藏。(以下四张素描人物头像作品为钟长清先生画)。

钟长清先生画的素描头像作品是好画。擅长用纸笔作辅助工具作画，用纸笔塑造与刻画形体。

在造型上善于提炼、概括，色阶转折过渡自然。

他认为:\"一张素描头像作业从起稿到完成，几乎可以说是一个完整的综合处理过程。这当中既有对比例、透视、轮廓、形体的科学分析，也有对构图、色调、虚实强弱的艺术领悟″。

(以下几张素描人物头像习作为笔者临摹的钟长清老师作品。谢谢指正，不当之处，敬请包涵)。

构图完美，多而不乱，简约不简单，主题鲜明，色彩勿多，内容丰富，过目不忘。

中国的山水美如画

我说的画不是大师齐白石，徐悲鸿，李可染他们画的画，他们的画是纸上用笔画的，我说的画是在中国辽阔国土上自然形成的山水画。

从中国的轮廓上看，中国似一只雄鸡屹立在世界的东方，雄赳赳昂首挺立在世界之林，那么雄伟壮观。

从祖国的最北端漠河，到最南端的曾母暗沙，从最东端见到太阳的乌苏镇到最西边的帕米尔高原。

从首都北京，到祖国宝岛台湾，从白雪皑皑的珠峰，到温暖如春的云南，从冰天雪地的龙江，到碧波荡漾的南海诸岛，从天山南北，到长江三角洲，从三江平原，到四川盆地，从内蒙古大草原，到东南沿海，《走遍中国》，《远方的家》，到处是留恋忘返的美景，无处不是美不胜收的画卷。

绿水青山，鲜花装点，啊，伟大的中国，我的祖国\"江山如此多娇\"。

什么样的画才算是好画？

首先，直接给答案：能打动你内心，引起共鸣，确实喜欢，看了还想看，不论是不是名家的，对你而言就是好画。对大众而言，普遍认可并喜欢，就应该说是公认的好画了。

其次，为你点个赞。这个问题，是个“又重又大”的好问题，也是个“无关痛痒”的小问题。说是“又重又大”好问题，是因为每天映入眼帘的无非是一幅幅画面的迭代，比如说手机，一屏就如一画幅，首页的构图排版抓人，是所谓“好画”，你可能就“被俘”进去；说是个“无关痛痒”的小问题，是因为大多数人根本不会关心和思考这样的问题。

第三，听取“砖家”分析。什么才是好画呀？“砖家”的裹脚布来了。在照相机还没有盛行的年代，普遍的标准其实很简单就是“像”，高点的标准是“能展现绘画的魅力和抒发画者的思想、情感”。于是各式各样的派别和绘画方法出现了，这对于有着不同审美层次的大众其实是个巨大的挑战和审美能力隐形的提升。艺术从西方来到了东方，从具象走向抽象，人们开始认可和愿意去了解这样的美，而不单单局限在像与不像的范围去判断好坏。特别是在抽象绘画和具象绘画这个问题让我们难以分辨、取舍。

好画，如果是用评论家的观点去审视的话，那就是要有意境，合乎民族大义，立意高，技法高超，有创新、有新意，代表了某种画风的最高境界。如果用市场的眼光来看，具有极高的收藏价值，有极高的审美情趣，能够传之后世的，被多数艺术家们广泛称许的，大概是好画。

最后，赏画须得提升艺术素养。艺术的审美虽然是一个相对复杂的系统，但只要经常去博物馆的人就会比别人多几根“慧根”。与他是否是美术学博士、硕士，是否是某某艺术学院院长或系主任没有太大的关系。比如，宣纸上的画以笔墨去要求就是标准。丢弃笔墨，在画面上搞些效果，搞得再漂亮至多是件“工艺品”，与好画的标准相去甚远。只要是绘画，就应该有“绘画性”，任何制作、描摹等极尽技巧之能事的画作都不应称之为一张好画。油画亦如是，通常人们把画得像作为衡量标准，这种被苏东坡称为“见与儿童邻”的标准至今阴魂不散，使得中国油画在经历了百年之后依然不得要领。油画是舶来品，一张好油画的标准只能对照西方油画大师，塞尚、凡高、毕加索等。

真正的好画来了！《中国十大传世名画》是:洛神赋图、清明上河图、富春山居图、汉宫春晓图、百骏图、步辇图、唐宫仕女图、五牛图、韩熙载夜宴图、千里江山图。世界十大名画，包括了《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》等我们熟知的画作，这里就不一一列举了，有时间去欣赏欣赏吧。

（根据有关资料整理 如侵必删）

一幅好的绘画作品具有构图和色彩的美感、主题内容新颖、艺术风格的审美，倾注了画家的审美情感和辛勤创作。体现出绘画艺术不但要有艺术价值，而且还要有社会价值。

一、绘画就是要表现出艺术风格不断地发展和繁荣，画家以自己的审美情感和艺术风格创作出艺术作品，反映了时代感的新风貌。绘画作品进行创作，要有艺术价值和社会价值，体现出艺术作品更好地满足人们对绘画艺术的需要。

二、画家创作出的绘画艺术作品，要运用自己的思想情感、艺术风格进行艺术创作，体现出绘画作品真实反映社会生活中各方面的典型画面，对绘画作品的主题思想作出合乎实际、恰如其分的分析和阐释，以推动绘画艺术的繁荣和发展。

三、一幅好的绘画作品，要表现主体思想和艺术特色，才能深刻地吸引人们的赞美，表现出艺术作品的艺术风格，满足人们对绘画艺术的审美需要。绘画作品的题材应具有多样性和丰富性，不局限于人体绘画，而是表现山水风景画、社会生活等人们喜闻乐见的题材，才是人们认为的一幅好画。

什么是好画？

“使望者息心，览者动色，久思而不去，乃为佳构”。

一幅好画，近观清晰，远看模糊，模糊才能吸引你走近她，才能让你仔细去看她，才越看越看不透，越看越有看头；除了技法的表现，模糊在作品的主题内容的表达也贵在模糊、朦胧，不要一下子告诉观众作品讲的是什么、意欲说明什么。模糊就是含蓄，就是曲径通幽，懂得了这些，你就进入了画境。

一目了然的东西最乏味，半脱的女子总比脱光了的好看。艺术，只有在想象思考中永葆生命。

石涛题画跋中说：“呕血十斗，不如啮雪一团。”这句话中包含着丰富的意思。呕血十斗，就是呕心沥血，主要指技巧上的追求。而啮雪一团，就如同吞下一团洁白的雪，培养一颗高旷通灵的心灵。

• 在石涛看来，绘画不能没有技巧，不懂笔墨工夫，如何作画？没有具体的法度，如何成画？技巧的追求固然重要，法度的熟悉固然重要，但一个画家熟悉了法度和技巧，并不一定能成为有成就的画家。如果要成为一个有成就的画家，还必须由技巧的追求上升到精神的养练，用传统哲学的话说，就是超越技巧，由“技”而进乎“道。”因为绘画不是技术，它是艺术，绘画是心灵的外现形式，是“心印”——绘画是心灵的一面镜子，有什么样的心灵，就会有什么样的绘画。

绘画的境界高度不是靠“学”而成，而是靠“养”而成。养得一个纯洁的灵魂，养得一颗没有尘染的高旷澄明之心……去作画，方为好画。

我认为一幅叫人称好的画在于作画者和观画者之间的共鸣，就像高山流水中俞伯牙和钟子期之间的默契一般，作画者的意境，观画者要感受的到，否则，再高明的画术没有心灵之间的共鸣，灵魂之间的碰撞，也称不上佳作