古希腊是西方艺术的发源地，罗马攻占希腊之后，保留了古希腊艺术的精髓，但罗马艺术与古希腊艺术之间还是有区别的。

古希腊艺术的主要成就之一，在于人体雕塑，这说明当时的艺术已开始重视对“人”的关注。许多经典的雕塑作品，都在充分表现人体运动之美，那种连贯性的节奏和韵律，极具张力感，好似浑然天成一般，不掺杂任何刻意的修饰与雕琢，即使以某一局部作为欣赏点，也能使人感受到强烈的生命气息。

罗马艺术虽然也继承了一部分古希腊艺术的风格，但终究这个民族是讲究“务实”精神的，相对于古希腊的自由与浪漫，罗马艺术家似乎更看重对细节的精致刻画，因此罗马艺术也是将“写实”精神，发扬到了一个极致性的高度。

古希腊艺术的风格特征，在美学上常以“高贵的单纯”和“静穆的伟大”为主要审美标准，那种以人性角度为切入点的艺术创作，体现着早期人文主义关怀的特点，是艺术贴近生命生活的充分彰显。古希腊艺术把“至真至纯”的美学理念，阐释得尽善尽美，以至对后世西方绘画产生了重要而深远的影响。

古罗马艺术的“求真”态度，也是值得现代艺术借鉴的。古罗马艺术家对造型的严苛要求，以及对细微处的精心刻画，都体现着一丝不苟的科学精神。若以“尽精微，致广大”来形容罗马艺术，貌似也是比较贴切的。

古希腊罗马艺术，是西方艺术起源发展的重要历史前奏。在西方社会文明开始之初，古希腊罗马艺术就以先行者的姿态，将“纯真与浪漫、自由与写实、对人性和生命的深层次探索”等这些美学思想理念，提升到了一个审美的至高点，令后人无法超越，但却可以积极借鉴和继承发扬。

古希腊罗马艺术距离现在已经三千多年，其影响力和价值经过了历史的千锤百炼，它们不仅仅被视为西方文化的源头和基石，甚至被视为全人类的宝贵的精神财富。

古希腊罗马艺术种类繁多，绘画，雕刻，神话故事等等，这一阶段的艺术形式有着人类本真的原初性思维，天真烂漫而又直追人类本性，其包含的人性中的共性和普遍的价值观才是最宝贵的财富。

好莱坞电影能够横扫全球，其宣扬的的普世价值就具有人类的某些共性。作为现代的艺术形式之一，好莱坞电影中的很多神话题材的剧本就直接来源于古希腊罗马的神话。

从好莱坞电影说到古希腊罗马艺术对现代的影响力，似乎有点跳跃。

但事实就是，艺术的影响力并不是跳跃式的发展的，而是循序渐进的影响，在不同的历史阶段，有着不同形式的解读，但其思想的内核却始终保持着惊人的一贯性。

现在，我们认为古希腊罗马艺术对后世影响最大的历史阶段是欧洲的文艺复兴。文艺复兴的原动力就在于渴望人性得到最大程度的解放，将人类思想中的理性规范成行为标准，这些思想直接来源于古希腊罗马的智慧，是一场关于自由思想与意志的确认。

从古希腊罗马，到文艺复兴，再到现代艺术，从油画艺术来说，经历了写实到印象派，再到现代艺术，后现代艺术等多种发展出来的不同种类的艺术形式，但其美学思维都不曾改变。

古希腊的雕塑讲究的是力与美，线条形式是为了美而服务的，印象派的色彩，立体主义的线条，后现代主义的形式感，等等，其终极的目的就是为了真善美的颂扬。

简单地说，从古希腊罗马到现代艺术，这中间从来不曾割裂过，尽管艺术的形式在不停的改变，但其思想一直在传承。

古希腊罗马艺术对现代艺术的影响

古希腊罗马时期的艺术以雕塑更为经典，那些形象逼真的人像雕塑深受后世人们的欢迎，而且古希腊罗马时期的人体雕塑，形象说明了人体可以是如此尊贵和完美，也只有在不断挑战自己的极限时，才有了美的可能；同样，古希腊罗马时期的绘画也反映出逼真的写实风格；如果说建筑也是艺术的话，那么古希腊罗马时期的建筑也独具风格特色，

经上段的简单叙述，我们大致可以知道，古希腊罗马艺术对现代艺术的影响有哪些了，事实上，古希腊罗马艺术对现代艺术的影响并不大，甚至可以忽略不计，为什么这样说呢？原因很简单，古希腊罗马艺术是“古典写实”风格，现代艺术是“抽象表现”风格，而“古典写实”和“抽象表现”是八辈子都找不到关系的，前者注重物象的形态特征，后者是打破传统，将形象“毁灭”，强调个人主观意识，

古希腊雕塑

我们看那些抽象派画家的画作，就可以理解明白了，比如，毕加索的“立体主义”，甚至是被称为“现代绘画之父”的塞尚的“后印象主义”画作，都是抛弃了传统的空间透视与写实，直接以色彩来塑造几何结构，我们无法辨识画面人物的具体形态特征。再往后期一点的现代艺术，干脆连色彩都被扭曲了，比如波洛克的画作，

开篇所提到的，如果建筑属于艺术的话，古希腊罗马时期的建筑也独具特色，那么，从这层面来讲，古希腊罗马艺术对现代艺术还是存在一点影响的，在超现实主义画家德尔沃的油画作品中有古希腊罗马时期风格的建筑充当背景，修饰出画面的古典效果，但相比较真正的古典写实画风，还是有很大距离的，除此之外，一些抽象派画家也在作品中体现物象的古典雕塑般的空间立体感，是依靠色彩直接造型，人物的结构就好比一块石头。

古希腊罗马艺术对欧洲文艺复兴时期和17世纪的古典主义以及18世纪后期出现的新古典主义艺术的影响最大，文艺复兴时期是西方艺术史上第二个散发着古希腊罗马余晖的艺术时期，艺术家的作品题材内容大多都是源自于古希腊罗马时期的艺术，文艺复兴艺术是在致敬古希腊罗马时期的艺术，有着强烈深刻的哲学思想价值，还有就是哲学家肯定了古希腊罗马的人体雕塑，文艺复兴的人体油画才有机会诞生；而17世纪的古典主义和18世纪后期出现的新古典主义，都是以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术，它们都是追求强调写实画风。

　　现代审美时期是指文艺复兴时期到19世纪末的延伸。真正的美学始于现代。在现代，“形式”已成为美学中的一个独立范畴，有意识地和理性地上升到艺术本质的高度。自文艺复兴开始以来，人类得到了复兴和提升，理性成为思想的前提。这种理性是一种诗意（创造）理性，不同于古希腊的理论合理性和中世纪的实践理性。作为“美学之父”，鲍姆加通将美学定义为感性，并强调秩序，完整和完美。笛卡尔的哲学思想为现代思想奠定了基础。他试图从主体和客体之间的认知关系中把握美。英国经验主义和大陆理性主义分别从各自的维度提出了美学思想。作为德国唯心主义美学的奠基人，康德提出并阐明了他的“超验形式”概念。他认为美学不涉及利益，与物体的存在和物质无关。美丽是基于对象的形式。从此，康德提出了美丽和美丽。崇高的区别在于，与基于美的形式不同，崇高是无形的，因为它是混乱的，不规则的和无序的。在康德，真理，善良和美丽之间有明确的界限，艺术与真理不同。康德为西方形式美学的发展奠定了重要的思想基础。黑格尔认为，美是概念的感性表现，然后是概念作为内容，那么感性外观就属于形式。在黑格尔，美丽艺术领域属于灵魂领域，自由是灵魂的最高定义。他说：“就其纯粹的形式而言，自由首先是因为主体对它所反对的东西并不陌生。它并不觉得它是一个边界和一个限制，但它恰恰相反。看到它自己。 “ [2]黑格尔试图从这种反对中发现自由。简而言之，在近代，西方形式美学得到了极大的发展，尤其是纯粹和超验方面的形式。这种影响远远超出了现代经验主义中现代经验美学和审美意识的思想。